ヴェルディ歌劇の面白さ(16)
舞台芸術で「多様性」は重要な要素だ。それは国際的にも大きな潮流であるに違いない。
しかし、古典的な芸術である歌劇には「奇をてらった演出」が不似合いな場合がある。ヴェルディの歌劇、おもに中期の作品でよく感じる。
最近は(特にコロナ禍以降は)劇場でヴェルディを鑑賞していないので、もっぱら購入したDVD・BDや、録画したCSで視聴しているが、同じ演目でも、演出によって受ける印象が大きく違う。それは舞台芸術としての評価にも影響する。
ワーグナーの作品と比較してみよう。ワーグナーは自ら楽劇の台本を書き、そこでは超自然現象を交えた神話や伝説を素材としており(「ニュルンベルクのマイスタージンガー」を除く)、作曲者自身が意図した主題は読み取れるものの、「こんな狙いもあるのではないか」と豊かな解釈をする余地が大きい。奇想天外な舞台構成も一つのバリエーションとして認められ、多彩な演出がそれぞれ一定の評価を受け、聴衆に受け入れられる場合が多い。
他方、ヴェルディの歌劇は台本作家が書いたものであり、現実に展開される人間模様が素材である。前期には台本と相性が悪く不本意な作品になった歌劇もいくつかあるが、中期以降はほとんどの作品で自分自身の構想と整合させている。
そして、前期には祖国イタリアへの愛国的な作品が多く見られたが、中期には「社会派」と称されるように、世の中の不条理を洗い出している作品が多い。非定住民差別を核にした「トロヴァトーレ」、先住民(南米)差別を前面に押し出した「運命の力」、宗教対立を基調に据えた「ドン‐カルロス」など。
これら中期の傑作は多くの劇場で上演されており、演出家にとっては腕の振るいどころなのかも知れない。しかし、中には奇策を弄し過ぎて、演出家の自己満足に陥ってしまい、聴衆に何を訴えたいのか肝心な部分がボケてしまうことがしばしば見受けられる。最近では黙役を登場させる演出もちらほら散見するが、その黙役の動きが何を意味しているのかを聴衆に理解させられないと、悲惨な評価を受ける結果になってしまう。
むしろ、ヴェルディ中期の作品を味わうのであれば、オーソドックスな演出のほうが望ましいのだ。
たとえば2017年オランジュ音楽祭の「リゴレット」(画像。CSから録画)。指揮アラン‐ギンガル、リゴレットがレオ‐ヌッチ、ジルダがネイディーン‐シエラ、マントヴァ公爵がセルソ‐アルベロ。
シャルル‐ルボーの演出では、舞台後方に巨大な玩具(中世の道化師が用いていた)がゴロンと横に転がしてあり、その上がゆるい坂になっていて、登場人物が坂の上側から出たり入ったりできるようになっている。これはある意味、リゴレットの運命の象徴であろう。それ以外は全く現代フランスの背景や衣装であり、21世紀のスーツやドレスをまとった上流階級の人物が役を演じていて、他に変わった趣向は見られない。
しかし、その普通の「フランスの上流階級の社交場」で、堂々と「障害者差別」や「性暴力」が展開されるのだ。西アジアやアフリカの戦場でもなく、中南米のスラム街でもない。これを視た聴衆の多くは、障害者差別や性暴力が自分たちの日常と決して無縁ではないんだよ、との強いメッセージを受け取るであろう。これはまさにヴェルディ自身が意図したところであり、ルボーはそれを効果的に表現するのに成功している。ヌッチ(当時75歳!)、シエラ、アルベロ(この人のハイDは劇場で実際に聞いたことがある)の三人の歌唱が圧倒的であるから、舞台に余計なものをあれこれ付け加える必要もない。
このような演出がヴェルディ中期の歌劇の醍醐味を生かしているのだ。時代は現代に移しても差し支えないが、設定をゴチャゴチャと複雑にしないほうが良質な演出となり、心ある聴衆を惹き付けるのである。
「過ぎたるはなお及ばざるがごとし」。
この言葉を玩味したい。
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