音楽

2017年6月19日 (月)

ヴェルディ歌劇の面白さ(9)

ヴェルディの歌劇は過去六回鑑賞しているが、『椿姫』は初めてである。多くのヴェルディ‐ファンは早いうちにこの作品を体験するだろうから、七作目でやっと『椿姫』なのは珍しいかも知れない。

マッシモ‐ディ‐パレルモ劇場の引っ越し公演で、会場は地元浜松のアクトシティ大ホール。とは言え、確か十年ぐらい前に一度入っただけの劇場。ホームタウンなのになぜかアウェイ感。上野の東京文化会館のほうが、年一回程度は行っていただけに、ホーム感がある(^^; 第二幕に入るあたりでようやく違和感が解消した。

指揮はフランチェスコ‐イヴァン‐チャンパ、演出はマリオ‐ポンティッジャ。キャストはヴィオレッタがデジレ‐ランカトーレ、アルフレードがアントニオ‐ポーリ、ジェルモンがセバスティアン‐カターナ、フローラがピエラ‐ビヴォーナ、ほか。

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ランカトーレは容姿もヴィオレッタ役向きであり、第一幕にやや不安定な箇所があったものの、おおむね全編を通してドラマティコ‐ソプラノを朗々と歌い込み、秀逸な歌唱。第三幕のアリア「過ぎ去った日よ、さようなら」は豊かな表現力の演技とも相まって、素晴らしい出来であった。

ポーリは正統派のリリコ‐テノールで、音程が正確なのが長所。第一幕では控えめな演技で純情なアルフレードをよく表現していた。ランカトーレとの二重唱も相性好く、ブレを感じさせない歌唱。第二幕のカバレッタの末尾「...この恥辱を晴らすぞ!」のところでは(たぶん一部の聴衆が期待した)ハイC(=二点ハ音)を出さず、会場の拍手がやや少なかったが、若手歌手が長く声を維持して活躍するためには、無理をしないのが賢明であろう。

カターナは傲然とした家父長的なジェルモン役を粛々とこなし、特に第二幕「プロヴァンスの海と陸」、息子(アルフレード)の心には全く響かない設定で、聴衆にはじっくり聴かせて魅了しなければならない難しいアリアを、自然体で歌いこなし、喝采を浴びていた。

チャンパの指揮はオーソドックスで聴きやすいものではあったが、ドラマの転換点、特に第三幕では、ポイント切り替えのように緩急を意識的に調節していた。ポンティッジャの演出は照明の使い方が巧みであり、第三幕のシェーナ&二重唱でヴィオレッタ役のランカトーレが「こんなに苦しんだのに、若くして死ぬなんて!」の歌いに入るところから、彼女の顔に全く光が当たらないようにして絶望を表現するなど、随所に工夫が見られた。

ただ、せっかくの好演の価値を減じたのは、聴衆のマナーの悪さである。途中で携帯音が鳴り出すことが(聞き取れただけで)4回。そのうち1回は音を止めようともしなかったらしく、延々と鳴り続けていた。これは絶対にしないように、あらかじめ電源オフまたは消音にしなければいけないのだが、第一幕開始前に入り口で係員が小さな声で注意を促していた程度で、アナウンスは無かったと記憶している。これが東京文化会館ならば、幕の始まりごとにアナウンスが行われるし、鑑賞に来る聴衆も回を重ねている人たちばかりだから、社会常識として心得ており、せいぜい不注意で切り忘れた人の携帯音が1回鳴るか鳴らないかである。浜松は田舎だなぁ、と嘆息してしまった。

そんなことはあったものの、全体として心に残る『椿姫』であった。

なかなか身動きできない立場になってしまったので、次の歌劇(ワーグナーなら「楽劇」)鑑賞がいつになるかは見通しが立たないが、頻度は減っても、これは趣味の一つとして続けていきたいと思っている。

また、この公演には、浜松市や静岡県の医師会で重い役を歴任され、介護支援専門員の連絡組織でも私の前任者でおられた岡﨑博先生が来られていた。同先生は海外へもときどき鑑賞に行かれるとのことである。会場で顔見知りの方に出会うことはそれほど多くはないが、意外な同好の士の存在を知ることも、歌劇鑑賞の面白さなのかも知れない。

2016年9月29日 (木)

ワーグナー楽劇の面白さ(5)

だいぶ前のことだが、今月11日(日)、東京文化会館で二期会「トリスタンとイゾルデ」を鑑賞してきた。何かと多忙ですぐにレビューが書けずに、本日になってしまったが。

指揮はヘスース‐ロペス‐コボス、演出はヴィリー‐デッカー。キャストはトリスタンが福井敬、イゾルデが池田香織、マルケ王が小鉄和広、クルヴェナールが友清崇、ブランゲーネが山下牧子、メロートが村上公太。

歌唱は池田のイゾルデが最高で、第一幕から第三幕まで終始舞台を支配、終幕の「愛の死」までずっと聴き応えのあるすぐれた歌唱だった。福井のトリスタンはやや声量に頼った面があったものの、第三幕の長大な「譫妄」の場面では巧みな演技と相まって、絞り出すような歌唱の技術力が光り、「聴かせる」ヘルデンテノールとして強く印象に残った。

小鉄のマルケ王は抑制された動きに伴う落ち着いた歌唱が秀逸。友清のクルヴェナールはやや抑揚が大き過ぎる感があったが、聴き辛いほどではない。山下のブランゲーネは安定感があり、特に第二幕、愛を語る恋人たちの背後で警鐘を鳴らす部分は下支えする脇役の効果が抜群であった。

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ロペス‐コボスの指揮は、節目のところでオケの速度を落としてじっくり聴かせる手法に優れ、特に第三幕でそれが効果を発揮していた。デッカーの演出は、場の閉鎖性を象徴する壁と、主役二人の愛を象徴するボートとを大道具として一貫させたものであり、この楽劇の特異性を際立たせていた。また第二幕の終わりで主役二人が剣でそれぞれの両眼を切り裂いて失明し、それが第三幕の再会の場面で互いに抱擁できない悲劇へと結び付く、独特な展開を披露した興味深いものであった。

終演後、新宿に場を移して知人と会食し、意見交換などしながら有意義なひと時を過ごすことができた。この件については、また後日のエントリーで触れる機会があろうかと思う。

2016年2月18日 (木)

ヴェルディ歌劇の面白さ(8)

本日、東京文化会館で10か月ぶりに歌劇を鑑賞。演目はヴェルディの「トロヴァトーレ」。東京二期会である。

それこそ高校生の頃に、両親にねだってレコードを買ってもらったほどだから、この歌劇に接してからずいぶん長いのだが、舞台を観たのは初めてなのだ。

指揮はアンドレア‐バッティストーニ(敬称略。以下同)。近頃、とみに名声を増している若手指揮者の代表で、日本にもファンが多い。CS放送では何作品か録画しているが、ナマで観るのはもちろんこれが最初。緩急を巧みに操り、ドラマの展開にピッタリの指揮ぶりであった。

演出はロレンツォ‐マリアーニ。CS録画ではちょうどパルマ王立の「トロヴァトーレ(2010)」が手元にあるが、ここから五年余を経て工夫を加えている。背景の太陽と月とを表す大きな円を、歌手が出入りする花道の一つとしても使い、正面から三方に道が延びているように見せ、立体性を高めている。

マリアーニ自身がプログラム中で語っているように、前後のヴェディ作品に比べると「トロヴァトーレ」は非現実的なおとぎ話のような世界になる。そのストーリーと、登場人物の感情がこもった迫真のドラマとを両立させる難業に挑み、成果はかなり聴衆に伝わったのではないかと思う。ただ、マンリーコとルーナ伯爵の衣装が、いささか童話的な面を強調し過ぎた安直な色合いだったこと、第四幕のアズチェーナ錯乱の部分で左手前の「(火刑をイメージさせる)炎」を燃やさなかったことは、期待された効果をやや損じたであろうか。

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歌手はアズチェーナ(メゾソプラノ)の中島郁子が圧倒的で、会場を支配していた。特に第三幕で両手首を縄で縛られ、兵士役のバレエダンサーに左右から交互に引っ張られる姿勢で歌う「縄で苦しめるなんて、この恥知らずめ」は、プロの歌唱技術の醍醐味を存分に披露。マンリーコ(テノール)の城宏憲も、予定出演者の体調不良で急遽代役をすることになったにもかかわらず、他の出演者との絡みで違和感もなく、リリコ・スピントの歌唱も十分聴き応えがあった。

レオノーラ(ソプラノ)の松井敦子も、腰を落としてリリカルな美声をたっぷり聴かせる名演。ルーナ伯爵(バリトン)の成田博之はやや音程に不安定な箇所があったが、感情の高ぶりを巧みに表現していて、全体としては合格点か。フェルランド(バス)の清水那由太は第一幕の冒頭で聴衆を惹き付ける難役を無事にこなし、第三幕まで安定していた。

最近は諸事情により、歌劇鑑賞も思うに任せないが、TVやDVDだけを楽しんでいても、歌劇愛好家だと言えないことは確かだ。海外まで鑑賞に行く余裕はとてもないが、若手・中堅の邦人歌手を応援する意味合いも含め、国内のヴェルディやワーグナーの上演を年1~2回は楽しんでみたい。

2015年4月14日 (火)

ヴェルディ歌劇の面白さ(7)

11日(土)、一年ぶりに新国立劇場で歌劇を鑑賞した。演目はヴェルディの「運命の力」。

この歌劇の真髄は、主人公のドン‐アルヴァーロにどこまでも不運が襲い掛かるところにある。きわめて暗く悲劇的な内容のドラマだ。それだけに、部分的にはコミカルな場面が挟み込まれ、メリハリがつけられているのだが、ストーリー全体を暗雲が覆っていることが、このドラマの特徴を際立たせている。

指揮はホセー‐ルイス‐ゴメス(敬称略。以下同)。奇をてらわないオーソドックスな指揮で聴きやすかったが、一部の歌手やオケの管楽器と合わせ切れない部分があったようだ。ご愛嬌か(^^;)

演出はエミリオ‐サージ。おもな特徴は三つ。一つ目は、最初からいきなり赤い幕にスペイン貴族のお歴々の名前が所狭しと書き連ねてあり、この貴族連中によるムラート(インディオとスペイン人との間に生まれた子)であるドン‐アルヴァーロに対する身分差別の厳しさが、すべての根源にあることを強烈に見せつけられること。二つ目は、舞台が20世紀前半に設定されており、剣が銃に代わり、人々が共同作業でセットを片付けるなど、事物や人物の所作が、現代劇的な内容に変更されていること。

三つ目は、第四幕で聖画を描いた三方の薄い幕が登場人物によって次々と取り払われ、最後にドン‐アルヴァーロが絶望のうちに取り残されるという、1862年のロシア、サンクト‐ペテルスブルクで初演されたときの姿を一部再現していることだ。初演ではアルヴァーロが教会を呪って崖から身投げするのだが、ヴェルディはイタリア上演の際に台本作家のギスランツォーニに諮ってここを書き直している。今回の演出は、あえて反キリスト教的な部分を復活させた点が面白い。故・遠藤周作も言っているように、現実に私たちが直面するのは、神の怒り、懲罰、沈黙であって、神の愛を実感するのは難しいのだから。

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歌手もまずまずのキャスティングであった。

特に良かったのが、レオノーラのイアーノ‐タマール(ソプラノ)と、修道院長(一般的には「グァルディアーノ神父」と呼ばれているが、padre guardianoとは修道院長である司祭の意味なので、普通名詞である)の松位浩(バス≧バッソ‐プロフォンド)。この二人の第二幕第二場のシェーナ&二重唱は、重々しい掛け合いから始まって場を熱く盛り上げ、音楽をどんどん昇華させていく、すばらしい出来であった。またタマールが第四幕第二場、岩山の場で歌うメロディーア、「神よ、平安を与えたまえ」はまさに圧巻! 会場から万雷の拍手が!

ドン‐アルヴァーロのゾラン‐トドロヴィッチ(テノール)、ドン‐カルロのマルコ‐ディ‐フェリーチェ(バリトン)もたっぷりと聴かせてくれた。演出が第三幕の中で両者の決闘未遂の場を省いていたので、第四幕第一場、修道院での対決の場にエッセンスが凝縮されていたのも効果的だった。他方、フラ‐メリトーネのマルコ‐カマストラ(バリトン)はやや声量不足、プレツィオシッラのケテワン‐ケモクリーゼ(メゾ‐ソプラノ)は音程が不安定で少々聴きづらかった。トラブーコの松浦健(テノール)はまずまずコミカルな味を出していたと思う。

これで、「椿姫」と「アイーダ」の間に作られたヴェルディの傑作四品を一巡鑑賞したことになる。四作ともヴェルディ歌劇のスケールの大きさを感じさせる珠玉の作品である。愛好する人たちが増えることを願ってやまない。

2014年2月23日 (日)

ヴェルディ歌劇の面白さ(6)

20日(木)、上野の東京文化会館で二期会公演、ヴェルディの『ドン・カルロ』を鑑賞してきました。

指揮はガブリエーレ‐フェッロ(敬称略、以下同)、演出はデイヴィッド‐マクヴィカー。キャストはフィリッポ2世がジョン‐ハオ、ドン‐カルロが山本耕平、ロドリーゴが上江隼人、王妃エリザベッタが安藤赴美子、エボリ公女が清水華澄、宗教裁判所長が加藤宏隆、テバルドが青木エマ、修道士が倉本晋児、レルマ伯爵が木下紀章、天からの声がチョン‐ヨンオク。

ヴェルディの全26作品の中で、最も壮大であり、かつ深刻な悲劇と言われています。当時の「世界の半分(スペイン・ポルトガルとその全領土)」の君主であったフィリッポ2世(=フェリーペ2世)と、王子ドン・カルロ(=カルロス)との相克を題材にしたドラマであり、これにカルロと同年の王妃エリザベッタ(=エリザベート)が絡む構図。本来カルロの婚約者だったエリザベッタが、父王の王妃になってしまう(これはフィクションですが)ことが発端となり、大貴族ロドリーゴと女官長エボリを含めた5人の登場人物の、愛と憎悪、友情と敵意とが複雑に交錯します。そこにカトリックとプロテスタントとの対立が表面化し、「仮借のない」宗教裁判所長が介入することで、第四幕あたりからドラマは極度の緊張に達します。

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もともとこのオペラは「ドン‐カルロス」としてフランス語の台本に作曲されましたが、ヴェルディ自身が何度も改訂を加えたことにより、現在もいくつかの版が残っています。イタリア語に訳されて「ドン・カルロ」となり、これも四幕版と五幕版とがありますが、20日の公演は五幕版のほうでした。

キャストは全四公演を二公演ずつ分担するダブルキャストで、20日は若手中心のいわばBキャストでしたが、総じて「聴かせる」上演でした。中でも清水のエボリが出色の出来で、第二幕「ヴェールの歌」、第四幕のアリア「むごい運命よ」は、いずれも聴衆からブラヴォーの嵐。安藤のエリザベッタも劇的な役を見事にこなし、第五幕のアリア「世のむなしさを知るあなた」は圧巻。女声二人の活躍で全体が華やかに彩られました。ハオ・山本・上江の男声陣も好演。加藤と倉本はやや声量不足との指摘を免れず、要所を締める二人のバスに、もう少し迫力があればさらに良かったのですが・・・。

フェッロの指揮は聴かせどころでテンポをやや緩め、じっくり腰を落としてオケを響かせるスタイル。マクヴィカーの演出は限られた予算(?)の中で同じセットを終始通して活用しながら、台の上げ下げで場面を表現するという秀逸なもの。オペラ初心者にもわかりやすい設定でしたが、台本にはない、フィリッポ2世とエリザベッタとの間に生まれた娘(乳児)が登場する場面、台本では修道士に連れ去られるカルロが、騎士たちに斬殺されてしまう(史実では幽死)場面などは、甘いロマンに浸ることを許さない現実の冷徹さを表現したものとして、特徴的だったと感じました。

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